В условиях стремительно развивающейся цифровизации мира мы наблюдаем, как творчество   становится все более зависимым от нейросетей, и особенно остро звучит вопрос сохранения человеческой уникальности, авторского голоса. О ценности сохранения творческой роли автора, о возможности хоть ненадолго замедлиться, поразмышлять и насладиться красотой мы поговорили с фотохудожницей Станиславой Шенинг, чьи работы, иронично сочетающие в себе классические образы с современными деталями, ведущие музеи Калифорнии приобретают  сегодня в свои постоянные фонды.

— Добрый день, Станислава. Очень рада возможности пообщаться с Вами, ведь я давняя поклонница Вашего таланта. У Вас удивительные фотоработы, которые нельзя даже назвать фотографиями. Как можно более точно охарактеризовать этот художественный стиль в фотографии?

— Это Fine art photography, то есть художественная фотография, когда создается изображение, в котором воплощается видение художника, определенная художественная концепция, а не просто некое документирование. Для достижения задумки автора, передачи идеи или вызова какого-то чувства у зрителя здесь могут использоваться не только традиционные техники, но и значительная постобработка. Это обширное направление, включающее в себя различные стили, такие как концептуальная, пейзажная, портретная и архитектурная фотография.

— Расскажите, пожалуйста, чье творчество послужило для Вас примером и вдохновением? Почему Вы выбрали именно это направление, что Вас в нем заинтересовало изначально? 

— Так как в этом направлении фотографии присутствует большая художественная доработка, то и вдохновение я черпаю в основном из художественных работ. Я с детства любила искусство, так как моя мама увлекалась живописью. Она не была художницей, но очень любила живопись, собирала искусствоведческие книги, которые мы вместе читали, водила меня в музеи. Поскольку я родилась в Петербурге/Ленинграде, у меня была возможность расти в атмосфере феноменальных музеев Эрмитажа и Русского музея. Позже я попала в семью художницы, и это тоже было интересно наблюдать. И сейчас, когда я смотрю на какие-то картины, пытаюсь  не столько их воспроизвести, сколько воссоздать момент энергетики этой картины.

— Я фотографировала, наверное, все время  просто то, что вижу, что нравится, на полупрофессиональную камеру со съемной линзой. Сначала я ставила какие-то букеты, замечала, как   по-особому на них падает свет, и фотографировала. Однажды моя приятельница спросила, не хотела бы я заняться фотографией профессионально и пройти обучение. Так начался мой путь обучения: я прошла курс фотографии Marina Tantsura (Marina Komakhidze), изучив настройки фототехники, работу со студийным светом, основы фэшн-фотографии.  

Позднее я проходила множество уроков по обработке фотографий в Photoshop. И далее, когда я искала направление в фотографии, которое было бы близко мне, я нашла в интернете  школу Анны Крауклис. Ее работы меня поразили, и я поняла, что это именно то, что я хочу.

— Отдельного внимания заслуживают Ваши натюрморты с прекрасными цветами. Как рождаются идеи для таких работ? 

— У нас у всех есть фотоаппараты, и все могут быстро сфотографировать те же букеты. Но от самой фотографии в принципе есть такой момент ощущения моментальности, что ты сфотографировал один момент, посмотрел на него и пошел дальше. С картинами отношение другое, и поэтому я думаю, такие фотоработы созданы, чтобы рассмотреть вдумчивее каждую деталь, чтобы остановить  темп своей жизни, остановить и — выдохнуть. А еще заметить детали прекрасного цветка, какого-то элемента, движения. Я сознательно повторяю подобную художественную манеру, чтобы задержать эту мимолетность. Когда делаешь фотографии, это не секрет, особенно сейчас, когда в камерах телефонов уже встроено огромное количество фильтров. Ты видишь на фото не то, что ты видишь в натуре своим глазом: другие цвета, их контраст и т.д. Работая над фотоснимком в фотошопе, пытаюсь показать то, что увидела я, а не камера. Это самый главный подход в моих  работах. Во-многом, это стало возможно, когда я приехала в Калифорнию, в это бесконечное количество цветов, когда у тебя есть совершенно уникальная возможность их иметь в вазе круглый год, да еще и сезонно. 

Сначала это привело меня просто восторг, и каждую неделю я меняла букеты, а потом очень захотелось их сохранить для себя, на память, чтобы потом, сидя за столом, за чаем, можно было бы отдохнуть от повседневной стремительной жизни, замедлиться, расслабиться, насладиться природной красотой.

Я вообще, в принципе, люблю созерцать, и мои работы  созданы для того, чтобы остановиться, выдохнуть, получить удовольствие от вот этого безграничного мира красок и форм и немножко восстановить свою энергию.

— Среди Ваших работ много портретов. Меня как зрителя в них особенно  привлекает легкая ирония, то, как красиво Вы обыгрываете уже знакомые классические работы, используя современные детали одежды и аксессуары. Создается эффект игры со временем и с культурными кодами. Как Вы ищите вдохновение, как формируете такой необычный взгляд на современность?

— Если это портрет на заказ, то мы с заказчиком заранее обсуждаем, какой стиль он/она хочет, какие варианты могу предложить я. Можно создать портрет  в стиле современной фотографии, а можно — более старинный, исторический образ, при этом не наряжая буквально в исторический костюм. Я люблю смешивать эпохи, одевать людей в одежду, которая носится сейчас, но так, чтобы она выглядела живописно. Отправной точкой здесь может быть работы художника, который нравится человеку, какой-то художественный стиль, который  ему близок. Это может быть и определенная личная вещь, с которой человек ассоциирует себя или свои увлечения: музыкальный инструмент, книга, цветок, шаль.  Так, с одной клиенткой у нас совершенно замечательно сложился образ. Так как она занимается танцами, у неё было много интересной одежды, и среди неё я заметила прекрасную шаль для фламенко, вокруг которой в итоге и сложился весь образ.

Если мы берем для вдохновения легкие и воздушные образы Серебряковой, мы не собираемся абсолютно повторять их, но включив цветовую гамму, свет, позы, воссоздаем нужную, узнаваемую атмосферу.

 — Ваши работы участвуют во многих выставках в ведущих музеях Калифорнии. Насколько точно это передает интерес публики и музеев к этому направлению в фотографии? Как высоко, на Ваш взгляд, музеи оценивают роль художественной фотографии в современном искусстве?

— Это очень интересный вопрос, потому что, когда объявляется Open Call, я гораздо легче прохожу на Art Exhibition. Туда принимают любые работы — 2D, 3D, Art. Когда же устраивается конкурс конкретно фотографии, то там у меня возникают проблемы, потому что, наверное, такой художественный подход к фотографии не столько технически фотографичный, сколько живописный, поскольку я беру больше из живописи, чем  просто из классической фотографии, где больше работают со светом, более ярко выраженным контрастом. В моих же работах, чтобы приблизиться к ощущению живописи, напротив, контрастность снижена. За счет этого приема, правда, бывают забавные курьезы. Так, недавно на выставке-продаже в парке Filoli посетителям приходилось объяснять, что это оригинальная фотография, а не копия картины неизвестного им художника или копия какой-то работы. Так или иначе, подобные работы вызывают особый интерес у зрителей. 

— Ваши работы уже несколько лет подряд отбираются для участия в выставке-конкурсе, который проводит музей Triton. Расскажите, пожалуйста, насколько сложно проходить этапы просмотра к выставке и победить в ней? [1]

 Первый раз я принимала участие в конкурсе Triton в 2018 году и заняла третье место со своей работой “Тюльпаны”.  Ежегодно на этот конкурс подается примерно 100-1200 работ,  из которых жюри допускает к выставке менее 100 работ, из которых уже определяются победители. В основном — это живопись, графика и скульптура, а вот фотографий обычно отбирают мало.  Еще несколько моих работ победили в этом конкурсе.  В 2024 году “Портрет юноши сквозь время” занял первое место.

— Отдельная Ваша уникальная победа – это приобретение the Fine Arts Museums of San Francisco [2] для своего фонда Вашей работы “Портрет юноши сквозь время” (Portrait of a Youth Through Time)[3]. Расскажите, пожалуйста, об этой работе, есть ли какая-то особая история ее появления? Какую идею Вы хотели донести этой фотографией и почему, на Ваш взгляд, именно она была выбрана Музеем для своих фондов?

— Да, это был восторг, когда меня взяли в музей the de Young в 2023 году на выставку художников Bay Area, которая проходит раз в три года. Из 7766 заявок к выставке было допущено 883 участника. Было очень удивительно и радостно узнать, что из такого количества уникальных работ на самой выставке музей приобрел только три, в том числе и мою работу. Эта выставка проводилась для поддержки наших местных художественных сообществ Bay Area в период пандемии, чтобы помочь художникам в популяризации их творчества и продаже их работ.  Кроме того, сам музей также приобретает подборку выставочных произведений для своей постоянной коллекции, и это, насколько я поняла, уникальный случай подобной поддержки локальных художников из крупных музеев Америки сегодня.

— Это отличная инициатива. Мне это напомнило, как в 1930-е годы, во время Великой депрессии, в США, по инициативе Франклина Рузвельта, действовало несколько федеральных программ (New Deal), в том числе по поддержке художников. Среди художников, расписавших общественные здания, был художник русского происхождения — Виктор Михайлович Арнаутов. Мне кажется, это так важно, что государство поддерживает в трудные времена людей, чьи профессии связаны с творчеством и зависят от финансовых возможностей публики. Это и создание богатейшего наследия общественного искусства. Какую идею Вы хотели донести этой фотографией и почему, на Ваш взгляд, именно она была выбрана Музеем для своих фондов?

— Создать этот портрет мне помогла большая художественная насмотренность. Это же мне помогает и искать вдохновение в истории искусства, быстро находить конкретно ту картину, которую ты видел когда-то давно, и чей образ ты берешь за отправную точку. Так было и с этой моей работой. Когда мы жили в Виржинии, то часто ходили в Национальную галерею. Там был портрет юноши работы Сандро Боттичелли   [4]. Я посмотрела на картину, на красную шапочку юноши и вспомнила красную кепку моего сына, и у меня возникла идея создать такой портрет. Я легко подобрала современную одежду, лямки рюкзака на плечах, кепку, сохранив цветовую гамму, схему света, позу юноши, его задумчивый взгляд, погруженный в себя. 

Кроме того, для меня этот портрет очень важен ещё и тем, что на нем изображен мой сын. Он — особенный ребенок, и его сложно уговорить на длительное позирование. Но хотелось в этом портрете раскрыть его внутреннюю глубину. Он очень талантливый ребенок, поет, играет на многих музыкальных инструментах и нуждается в дружеском общении. 

Почему в музее выбрали эту фотографию, для меня остается абсолютной загадкой, которую я бы с удовольствием хотела разгадать. Возможно, именно  из-за сочетания  в этой фотоработе узнаваемой классики при возможности современного ее прочтения. 

— Какое Ваше достижение порадовало Вас больше всего в этом году? 

— Наверное, то, что мой портрет “Neo Deco Muse” был удостоен упоминания на престижной Международной премии Photography Awards 2025. 

— Не могли бы Вы поделиться своими планами? Какими Вы видите свои следующие шаги и цели в фотоискусстве? Какой  вклад в современное искусство Вы хотели бы внести?

— Мне бы хотелось заняться детской фотографией, портретами. Хотелось бы выработать узнаваемый собственный стиль, чтобы фотографии, которые я делаю сейчас и в будущем, можно было бы отличить от AI, чтобы в них была очевидная зрителю творческая роль автора. Хочется и дальше развиваться в профессии, преодолевать свои рамки, учиться новому в обработке фотографий. Потому что обработка — это и есть создание образа. Одно дело — сфотографировать удачно: это технически наработано. А вот последующая  обработка — это самый длительный  и очень творческий период.

 — Не могли бы Вы дать краткий совет тем, кто только пробует себя в фотографии или только мечтает этим заняться?

— Пойти на курсы фотографии для того, чтобы получить толчок, базовые навыки и технику. Да просто освоить фотоаппарат, чтобы снимать не на автомате, а использовать настройки, чтобы добиться лучшего эффекта от изображения. А после этого искать направление, школу, в котором хотелось бы работать, понять, что наиболее интересно, что больше всего цепляет и вдохновляет.

Дополнения и комментарии:

1. Salon at the Triton 2023: Statewide 2-D competition & exhibition. Santa Clara, California.; Salon at the Triton 2024: Statewide 2-D competition & exhibition Santa Clara, California.
2. The de Young in Golden Gate Park and the Legion of Honor in Lincoln Park make up the Fine Arts Museums of San Francisco. 
3. The de Young Open 2023. San Francisco. September 30, 2023–January 7, 2024. «Portrait of a Youth Through Time». 🏛️ Acquired by Achenbach Foundation for Graphic Arts, the Fine Arts Museums (de Young and Legion of Honor Museums). 
4. Работы можно посмотреть здесь: https://deyoungopen2023.artcall.org/pages/web-gallery  https://www.nga.gov/artworks/21-portrait-youth